30 becas de Arte El 20 de junio se acabó el plazo de inscripción de OpenArt Zaragoza 2009.
Aquí puedes ver la lista de seleccionados.
|
 Luis Eduardo Aute: obra gráfica
El Centro de Historia inaugurará el próximo 11 de febrero una exposición única: una retrospectiva de la última obra gráfica de Luis Eduardo Aute, a la que se unirán las de 10 artistas vinculados a Zaragoza, que hacen una reinterpretación de esas piezas a modo de homenaje. Luis Eduardo Aute. Obra gráfica 1996-2007 + Circo de Auteómatas, comisariada por Sergio Muro y Juan Escós, está organizada por el ayuntamiento y Artix, espacio creativo.
Aute, que será el encargado de realizar el próximo Disparate de Fuendetodos, es un hombre multidisciplinar: cantante, escritor, cinéfilo y artista. La muestra incluye piezas de las series tituladas Angelingua, Fragmentos fluidizos y dibujos de la película Un perro llamado dolor. Obras en las que Aute permite al espectador convertirse en un voyeur, visitar su mente y viajar por su subconsciente.
Junto a estas, las que se engloban bajo el epígrafe de Circo de Auteómatas, donde participan los artistas Paco Serón, Olga Remón, Nicolae Didita, Esther de la Varga, Rakel García, Christian Losada, Fernando Clemente, Heather Sincavage, Pierre d.la y Miguel Ángel Ortiz Albero, que han hecho suyas piezas del cantautor para luego volverlas a parir según su creatividad.
En el Centro de Historia del 11 de febrero al 18 de abril.
Plaza San Agustin, 2 - 50002 Zaragoza
Martes a sábado, de 10 a 14 h y de 17 a 21 h
Domingos y festivos, de 10 a 14 h
Más info: www.zaragoza.es
 El próximo día 26 de Noviembre, en la Biblioteca Pública María Moliner de Zaragoza (Plaza san Agustín), se inaugura la exposición “Una Jirafa” que recoge la visión de veintiún artistas plásticos aragoneses del texto que, con el mismo título, publicase Luis Buñuel en 1933 en la revista Le Surréalisme au Service de la Revolution. Con anterioridad, a las 19:30 se presentará oficialmente en el salón de actos y conferencias del Centro de Historia.
Organizada por Artix espacio creativo y Producciones Che y Moche, la exposición, que cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Zaragoza y con el apoyo de Zaragoza 2016( ya que Buñuel es uno de los cinco apartados en los que se basa la propia candidatura), del Gobierno de Aragón y del Centro Buñuel Calanda, surge como iniciativa del Centro de Investigación Artefacto en paralelo a la producción del espectáculo teatral “Una Jirafa” de Producciones Che y Moche.
En el texto de Buñuel, concebido como manual de instrucciones para la construcción de un objeto surrealista, Buñuel describía cada una de las manchas de la jirafa como un lugar en el que aparecían los más diversos objetos asociados de los modos más absolutamente surreales. Cada artista se hace cargo, en este proyecto, de una de esas manchas y da su particular visión de los mundos propuestos en ellas por don Luis. La pintura, la fotografía, el collage, la escultura o el ensamblaje componen así el necesario repertorio de técnicas e ideas que permiten reconstruir esta nueva versión de esa jirafa.
En esta exposición, concebida como un “lugar de encuentro”, participan los artistas Jorge Juan Perales , Nicolae Didita, Jessica Aliaga Lavrijsen, Álvaro Ortiz, Antonio Chipriana, Javier Joven , Miguel Ángel Gil, Esther de la Varga, Ricardo Calero, Paco Serón, Fernando Clemente , Olga Remón, Caterina Burgos, pierre d. la, Mariángeles Cuartero , Sergio Muro , Christian Losada , Lina Vila , Rakel García, Helena Santolaya y Miguel Ángel Ortiz Albero.
La exposición se podrá visitar desde el 26 de noviembre hasta el 26 de diciembre, en horario de 9 a 21 horas de lunes a viernes y sábado de 9 a 14.
 De izquierda a derecha: Francisco Jarauta, Nacho Criado, Antonio Povedano (q.p.d.), yo mismo, el antropólogo y filósofo Marc Augé y mi socio y sin embargo amigo Esteban Ruiz. Hoy me van a permitir ustedes que me tome la licencia de presumir de amigo. Pues no todos los días tiene uno un amigo que en el mismo año recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas, días después de recibir de manos del Rey en Santander la Medalla de Oro de Bellas Artes. Un doblete que no está al alcance de cualquiera y que Nacho Criado ha conseguido en 2009.
Tuvimos la suerte, el acierto y el privilegio de contar con él para el taller de plástica de OPENart Zaragoza 2006. La excelencia de su trabajo y la sencillez de su amistad, nos hizo contar con él de nuevo para los Talleres de Arte Contemporáneo de Córdoba del siguiente año 2007. A ese desaparecido evento corresponde esta fotografía tomada en el bello patio de la Casa Góngora y que tan profundamente enamoró a Francisco Jarauta.
Nacho Criado es un artista total, de la cabeza a los pies y eso lo convierte de seguro, en una persona esencialmente Buena. Su generosidad para los participantes de los talleres, abriéndose de par en par a quién lo supo ver, ha escrito una huella más que interesante en sus propias trayectorias. Conversador apasionado, incansable, experimentado y treméndamente inteligente me atrajo con fuerza desde el primer momento de conocerlo. Desde mi diminuta talla intelectual, me pego como una mosca a cualquier conversación en la que pueda aprender algo. Aprender es mi eterna meta, pero no me gusta que me enseñen, prefiero siempre la conversación. Una buena conversación es para mí lo que para otros el fútbol o los toros. Nacho nos caló a mi socio y a mí enseguida, y nos dió su saber de una forma tan generosa, que hoy podemos preciarnos de ser amigos de esta gran persona. Permítanme que presuma.
La última vez que nos vimos en persona fue el pasado año en Madrid. Huíamos de ARCO cuando por la Carrera de San Jerónimo le vimos subir absorto y distraido en sus ideas. Me puse en su trayectoria y esperé a que chocara conmigo. A partir de ahí, todos los planes se trastocaron; su comida y la nuestra. Nos marchamos al “Consulado de Jerez” una taberna andaluza cercana, famosa por su gran solera. Allí, entre vinos y embutidos conversamos durante más de tres horas y os aseguro que podrían haber sido diez de no haber tenido el tren hora fija. Y es que Nacho Criado es mucho Nacho, permítanme que presuma.
Enhorabuena amigo.
EXPOSICIÓN
Judas Arrieta, Muu Blanco & Ben-Kee Chang, Jan Hendrix, Jesús Pastor, José Manuel Ruiz, Ana Soler, Rubén Tortosa, Carlos Tricas
Comisario: José Ramón Alcalá
 Postgráfica / Contragráfica. En los límites expandidos de la gráfica propone un espacio de debate en torno a los límites conceptuales del grabado, la estampa y la gráfica en el siglo XXI. Cómo el trabajo creativo de algunos artistas –definidos por la crítica como grabadores-ha ido desbordando las fronteras tradicionales, modificando sus paradigmas y expandiéndose territorialmente, de lo bidimensional a lo tridimensional, de la matriz al múltiple, de lo estático a lo dinámico, del papel a la pantalla, de lo objetual a lo virtual, etc.
Las foto-esculturas de Jesús Pastor reflexionan en torno al problema de la esencia del grabado al plantearnos qué ha sido de la matriz de la estampa en los tiempos de la reproducción electromecánica y electrónica. Los soportes y formatos especiales que permite la alta tecnología actual de foto-impresión electrónica cobran una dimensión plástica de alto rendimiento estético en los trabajos de investigación de los artistas Jan Hendrix y José Manuel Ruiz. Los particulares procesos de transferencias desarrollados por Rubén Tortosa dotan a la estampa de la posibilidad de convivir interactivamente con los soportes y materiales tradicionales de la gráfica; las iconografías heterodoxas y rabiosamente activistas de Judas Arrieta cobran cuerpo en la piel de sus pequeños juguetes y en las piezas seriadas que establecen puentes visuales entre las culturas oriental y occidental contemporáneas; y las complejas instalaciones de Ana Soler abren un rico debate en torno a la multiplicidad reproductiva. Las esculturas de geometrías imposibles de Carlos Tricas abren el concepto de obra estampada al territorio de los objetos tridimensionales que nacen en el vientre de la computadora; y, por último, las piezas dinámicas, grafiadas en tiempo real sobre pequeñas pantallas de LCD de Muu Blanco y Ben-Kee Chang inciden en el necesario debate sobre la posibilidad del viaje virtual de la gráfica por la línea espacio-temporal.
Todos ellos son artistas cuyas producciones suelen quedar enmarcadas por el mercado del arte y la crítica en el contexto de la gráfica, la estampa y el grabado. Siendo sin embargo todos ellos corresponsables de su renovación, no sólo de sus lenguajes tecno-expresivos, sino, fundamentalmente, de su significado semántico y de su concepto discursivo. Todos ellos –de forma magistral- saben y proponen creativamente que la renovación del concepto matriz, la expansión del territorio clásicamente bidimensional del soporte y el mestizaje y heterogeneidad del gesto de sus lenguajes, son algunos de los pilares conceptuales sobre los que se fundamentan los discursos de la gráfica actual. Entendiendo este cambio de paradigma como una huída hacia delante respecto a la concepción clásica del Grabado y de la Estampa, que reclama una ampliación de los límites de su territorio tecno-expresivo y discursivo para poder así afrontar el reto artístico de colaborar en la construcción los nuevos imaginarios que den forma a nuestra nueva identidad.
Sala de exposiciones del Aula Universidad Abierta de la UCLM
(6 de noviembre - 13 de diciembre 2009)
De martes a viernes de 17.00 a 20.00 h. Sábados de 10:00 a 14:00 h. y de 17:00 a 20:00 h. Domingos 10:00 a 14:00 h. Lunes Cerrado. Entrada gratuita.
Colmillo, 5 16071 Cuenca
Este jueves dia 8 de octubre de 2009 tendrá lugar la inauguración de la exposición titulada “Transportarte” que Artix espacio creativo ha organizado y comisariado con los artistas…Paco Serón, Olga Remón, Esther de la Varga, Sergio Muro, Fernando Clemente Nicolae Didita y Raquel García. Con fotografía de Ana Morellón y el diseño gráfico del artista Jorge Perales. Os esperamos.
Me muevo luego existo….me muevo luego insisto…nos trasladamos generando una Fricción en el desplazamiento….mi Energía se disipa, desaparece…exhalo pequeñas moléculas de dióxido de carbono que conforman la gran estufa de la aldea global, respiración para el calentamiento mundial, inspiración en el interior de un gran horno de convección.
Me transporto, alejándome del lugar en el que me encontraba y acercándome a otros espacios en los que nunca estuve, para ello uso mi imaginación…unos cuantos kilojulios de consumo neuronal que benefician en un acto sin igual mi salud mental, cero aportaciones residuales a mi entorno más inmediato.
Nos transportamos tumbados, balanceándonos sobre una cuerda floja, en las profundidades de los grandes océanos terrestres…bajo los arcos estelares de estrellas fugaces..al mismo tiempo que hacemos pasar las páginas…una tras otra van cayendo bajo la sumisa Energía Potencial y su no menos precisa Energía Cinética….
Papel, palabras y tintas almidonadas para estos viajes tan lamineros….se transportan subidas a una oleada de mecanismos aguacero que van dejan un reguero de metáforas y elementos variopintos…tuercas, pernos, parachoques, bujías, fluidos viscosos, humos insidiosos, eléctricas partículas que se pierden en espirales asintóticas y a las que nunca volveremos a conocer por su nombre. Elementos que formarán parte de un paisaje in-humano en sus distintas versiones cinematográficas, resumidas en espacios miscelánicos denominados, depósitos de vehículos, hangares de revisión mecánica, chatarrerías y otros apelativos alimenticios no menos jugosos.
Te transportas en un acto de civismo cultural, más no exento de incivismo medioambiental, aviones que desguazan el cielo y lo sesgan con finas cuchillas de afeitar, vehículos a motor de explosión que dibujan volutas de espasmos en el corazón, estructuras matéricas que se descomponen lentamente hermanándose con la naturaleza que asustada, huye como una fugitiva hacia paraísos mas propicios a la par que escasos.
Transportarte sirve para dejar de existir e insistir a través de la creación de nuevos espacios entre los retrovisores y los tubos de escape, para conformar un jardín de conciencias a base de neumáticos desgastados, para salvaguardar las patrias de la imaginación de los accidentes metálicos y de la basura que como una religión va construyendo sus propias catedrales sobre el horizonte.
Transportarte nos invita al movimiento como ejercicio de cautela, subidos a obras de la deconstrucción vehicular que se transforman en arte inquieto y disidente a base de despojos del consumo deshumanizante.
Francisco Javier Serón Torrecilla
Una exposición ofrece la visión de la guitarra de 32 artistas
Martes, 07-07-09 IRENE ARACIL / ABC
CÓRDOBA. La sala museística de Cajasur inauguró ayer la exposición de pintura «Guitarras». En ella han trabajado treinta y dos artistas cordobeses de primera línea, que expondrán sus obras en esta sala hasta el día 26.
En la exposición han participado autores como Ginés Liébana, Antonio Villa-Toro, José Luis Múñoz, José María Córdoba, Camilo Huéscar, Rita Rutkowski y Francisco Escalera, entre otros.
La aglutinación de los distintos estilos y técnicas pictóricas han hecho posible una colección con un denominador común: la guitarra.
Es una obra de encargo y «muchos de los autores, aunque parezca mentira, nunca han pintado una guitarra» señala Alicia Reguera, comisaria de la exposición, que a su vez, agradece que «todos hayan hecho ese esfuerzo intelectual»
El objetivo de estas obras es que los autores plásticos pueden formar parte del Festival de la Guitarra, puesto que es un proyecto cultural con una proyección internacional muy importante y que aportaran con la pintura «su visión sobre el mundo de la guitarra», según Rafael Blanco, teniente alcalde y delegado de Cultura en el Ayuntamiento de Córdoba.
La intención es que el Festival de la Guitarra no sea tan sólo una suma de conciertos sino que se complemente, además, con las artes plásticas; es decir, que se pueda «saborear con los ojos lo que se lleva saboreando con los oídos durante este mes» y así Córdoba pueda estar abierta a la cultura.
Esta exposición se ha presentado por primera vez en Córdoba y han participado en la muestra tanto el Área de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba como el Gran Teatro.
Cajasur ha querido vincularse al Festival de la Guitarra que «lleva un sello cordobés desde hace muchos años y que es la manifestación cultural y de más eco», añadió Juan José Primo Jurado, miembro de la Fundación Cajasur.
Cada uno de los artistas que han colaborado en la exposición muestran una visión distinta sobre el mundo de la guitarra.
Ginés Liébana, ha presentado su obra «El maleficio de la guitarra» realizada con una técnica mixta sobre papel.
Autores como Julia Hidalgo, Ángel Corral o Antonio Ortega han trabajado el óleo sobre tabla. Otros autores han realizado sus obras mediante técnicas mixtas y el uso de acuarela y acrílicos. Los materiales sobre los que han trabajado estos artistas han sido, en general, tablas, lienzos, papel y tela.
Luis Calvo Anguís, artista de la exposición y creador del libro «Mapa creativo de Córdoba. Plástica» destaca que algo tiene la guitarra que «la hace presente, y en muchos casos protagonista, en las más bellas pinturas de la historia del arte».
Mediante sus obras, los autores han conseguido reflejar que significa para cada uno de ellos el universo de la guitarra y transmitir a su público que el arte se puede manifestar tanto como por las cuerdas de una guitarra como a través de los pinceles.
Dos Perfomances animan la edición de este año de OpenArt 2009 y nos invitan a reflexionar. Artistas de Zaragoza nos visitan con sus acciones reveladoras de las situaciones en las que a menudo nos encontramos los artistas. Para ello utilizan el espacio, el tiempo y sus propios cuerpos en una relación entre ellos y el público.
↓
“Trampa para dos”
Día 13 de julio a las 20 horas
Autores: Josema Oliden y Miguel Ángel Gil
Esta performance esta basado en el enfrentamiento y contraste de lo antagónico.
Dentro de un espacio limitado por un cuadrilátero de 4 X 3 m., reposan dos personas una frente a otra. Cada performer intentara imponer al otro su trama, su argumento, representado este por sendas cuerdas, con las que cada uno de ellos irán tejiendo una tela de araña sujeta a los tubos de los andamios, con el objetivo de ocupar el espacio ajeno. Metáfora esto, de una necesidad de imponer las ideas propias al contrario.
Transcurrido un tiempo, las dos cuerdas forman ya una única trama, en la que ambos quedan atrapados, víctimas de su obcecación. La única posibilidad de escapar de esta trampa, revelará al espectador la auténtica esencia de cada uno de los individuos.
↓
“Trata de Artistas”
Día 22 de julio a las 21 horas
Autores: Fernando Clemente y Francisco J. Serón
Hablamos del doble sentido en el título como, trata sobre los artistas y es una trata de artistas, un mercado en el que somos sometidos pero a su vez nos sometemos por propia voluntad, un intercambio de esclavos artistas en el que cuál estamos todos implicados, Gestores, Artistas, Instituciones, Medios de Comunicación, Mercado de Valores y todo ello a través de un recorrido en la búsqueda de la sintonización de las frecuencias artísticas.
 Estimados amigo y amigas, la organización de los Talleres quiere ante todo agradeceros el interés mostrado por la convocatoria de 2009. Hemos recibido muchas solicitudes de participación y de gran calidad, por lo que no ha sido fácil la selección para la presente edición los Talleres Internacionales de Arte Contemporáneo. OpenArt Zaragoza 2009. Agradeceros especialmente a los que no habéis sido seleccionados vuestro interés. Os mantendremos informados. Existe la posibilidad de que se produzcan bajas entre los seleccionados, en cuyo caso iremos admitiendo a los que por puntuación os habéis quedado cerca de la admisión. Para ello nos pondremos en contacto con los posibles candidatos el día dos de julio. Muchas gracias a todos.
A partir de ahora los requisitos que debéis cumplimentar los seleccionados son los siguientes:
1- Ingreso de las tasas de matrícula y seguro -150 euros- en la siguiente cuenta bancaria:
Banco: BBVA
Titular: COSO Producciones Culturales
Asunto: Inscripción OpenArt 2009. Importante: Identifica con tu nombre la transferencia.
Para nacionales nº: 0182 3257 19 0201516619
Sólo Extranjeros nº : ES62 0182 3257 1902 0151 6619
2- Envío del justificante de ingreso del banco a nuestro correo: axerquia@gmail.com
3-El plazo para cumplimentar estos requisitos acaba el Miércoles 1 de Julio.
Pasada esa fecha supondremos que renuncias a los Talleres y tu plaza pasará al primero de la lista de reserva con que contamos.
4-Alojamientos
: Como sabes la organización de los talleres no cubre el alojamiento y la manutención durante esos días.
Os recomendamos el Albergue Zaragoza http://alberguezaragoza.com con el que tenemos un acuerdo para participantes en los talleres de 15 € diarios. Es cómodo y cercano a los Talleres.
El Centro de Historia, donde se desarrollan los talleres, cuenta con un restaurante que dispone de un menú económico especial para los participantes.
5-Recomendaciones
En Zaragoza hace calor, aunque es seco y llevadero. Traer ropas y calzados frescos para trabajar. También bañador, pues aunque todavía no tenemos mar, las piscinas son excelentes aquí.
6-La inauguración de los Talleres se realizará el lunes día 13 de Julio a las 11,00 h en el Centro de Historia de Zaragoza (Plaza de San Agustín 2).
Si tenéis dudas o preguntas, no dudéis en hacérnoslas llegar a través de este correo.
Hasta entonces un saludo y… nos vemos en Zaragoza.
LISTADO DE ADMITIDOS:
Arevalo Patiño, Mª Fernanda. Colombia
Ballesteros, Susana. Aragón
Bueno Salgado, Verónica. Extremadura
Montañés, Alejandro. Aragón
Blanco-Angulo, Muu. New-York – Venezuela
Bobrikova, Martina. Slovakia
De Carmen, Oscar. Andalucía
Hernández, Abel. Cantabria
Garay, Helena. Castilla-La Mancha
Cabrera Balbuena, Iria Elena. Galicia
Martinez Carnicer. Aragón
Casado, Javier R. Castilla-León
Castell Moreno, Silvia. Aragón
De la Puente Cubero, Héctor. Castilla- León
De Melo Bragança, Célia. Portugal
El Gotaibi, Amine. Marruecos
Cristina Espejo Marín. Aragón
Garcia Fernandez, Gloria. Valencia
García Gallego, Noelia. Murcia
González Ridruejo, Elisabet. La Rioja
Lahoz Montolar, Esteban. Aragón
Laguia, Virginie. Francia
Lorca, Anabel. Aragón
Serrano, Marcos. Aragón
Sergio Muro. Aragón
Plana Perpiñá, Rebeca. Valencia
Rato Tascón, Elena. Asturias
Rupérez Alonso, Gema. Valencia
Sandoval Rincón, Diana. Colombia
Trapaga, Maria del Carmen. Canarias
Vilar Delgado, Ricardo. Valencia
Zárate Avalos, Alfonso. México
↑
A lo largo del mes de junio el Festival de Cine de Zaragoza está organizando una serie de proyecciones que sirven como complemento al propio Festival, que se celebrará en el mes de diciembre.
Esta segunda actividad se desarrollará este viernes 26 de junio a las 18.30 horas en el Salón de Actos del Centro de Historia de Zaragoza, y consistirá en un maratón, de apróximadamente140 minutos, de cortometrajes cuya temática central es el fútbol.
Los trabajos provienen de varios países del mundo y gracias a la colaboración del Goethe Institut podrán verse en Zaragoza una serie de cortometrajes que el Festival de Cine de Berlín preparo cuando fue el Mundial de Futbol en Alemania.
Estos son algunos de los cortometrajes que podremos ver:
Sylvia A. Adjahossi (Benin), “Your Studies First“
Felipe Aguilar (Colombia), “Penalty“
José Manuel Cravioto Aguillón (México), “Cascabel“
Sebastian Alfie (España), “Ten Millions“
Yusuf Andibachtiar (Indonesia), “Hardline”
Marlene Assmann (Alemania), “Way to go“
Manuel Bickenbach (Alemania), “What Football füor me is?“
caraballo-farman (USA), “Reason is a Name given to Collective Thought/Ballad of the Flag“
Sainath Choudhury (India), “Village Football“
Nicolas Ciganda (Uruguay), “Morenas Goal“
Ramon Coelho (Paises Bájos), “1 Minute of Silence“
Alejo Crisóstomo (Guatemala), “Halftime“
Stephen Curley (USA), “The Addict”
Khavn De la Cruz (Filipinas), “Can and Slippers“
Aruna De Silva Lokuliyana (Sri Lanka), “We love Football - please stop the War“
Debalina (India), “Joy run“
Ninian Dunnett (Inglaterre), “Two Minutes of Football“
Jeanette Ehlers (Dinamarca), “It’s all in the Game“
Marc Hermann (Alemania), “Kicker“
Andrea Elaine Hoff (Canadá), “Who plays soccer here?“
Nicolas Horvath (Hungria), “Handling Football“
Jerrit John (India), “Rolling“
Kenneth Kaigua (Kenia), “One Country“
Ankur Khanna (India), “Bare“
Leo Khasin (Alemania), “Kickback“
Sören Lang (Alemania), “Only Hertha“
Holger Mohaupt (Inglaterre), “Sacred Turf“
Ayat Najafi (Irán), “Move it“
Lale Nalpantoglu (Inglaterre), “Tactics with Udo”
Tecla Nambi (Uganda), ” It can be round”
Sebastian Nesu (Rumania), “Fanatic”
Cris Niemeyer (Suiza), “The/Le/Der Ball”
Gustav Oldén (Suecia), “Fair Play”
Ixtlil Axil Parra (Colombia), “Goal”
Ayelotan Princess (Nigeria), “My African Queen”
Llewwelyn Roderick (Sudáfrica), “Blow”
Robin Sander (Alemania), “Goalie”
Jeffrey Saunders (USA), “Hope”
Jens Schillmöller (Alemania), “Feelings”
Roberto Seba (Brasil), “As it were Yesterday”
Alejandro Solar (Mexico), “Rule”
Barbara Tolevski (Yugoslavia), “Africa United
Leandro Waisbord (Argentina), “Fase Futbol”
Amir Yaniv (Israel), “Yellow Love”
Lucas Figueroa (España), “Porque hay cosas que nunca se olvidan”
Alejandro Marzoa (España), “Temporada 92- 93”
ENTRADA GRATUITA HASTA COMPLETAR AFORO
 Esta exposición constituye la primera tentativa de una revisión histórica sobre el desarrollo de la arquitectura en los dos estados alemanes, más de cincuenta años después de la fundación de la República Federal y la República Democrática de Alemania y 18 años después de la reunificación alemana. Representa por tanto una historia de la arquitectura moderna entre 1949 y 1989, con perspectivas que van más allá de esa época.
Mediante un elaborado y en gran parte desconocido material, procedente de archivos de la República Democrática y de la República Federal, la exposición se nutre de documentos fotográficos sobre las diferentes épocas, planos, esbozos y textos, acompañado por 40 maquetas de edificios de los años cuarenta a ochenta. Se presenta así, con ejemplos concretos, el contexto cultural y político-económico de los respectivos desarrollos en ambos estados, invitando a la comparación y al debate.
La estructura de los contenidos se organiza en torno a diferentes capítulos, cada uno de los cuales incluye distintos programas de construcción: Estado (capitales; superpotencias; perspectiva desde el exterior; radio y televisión; comunidades autónomas; provincias; comarcas; memoriales).Cultura y fe (foros culturales; teatros; iglesias y sinagogas). Vivienda y tiempo libre (edificios de viviendas a gran escala; vivienda particular; tiempo libre; bloques y nuevas ciudades; espacios para la compra, deporte). Educación y enseñanza (estudio e investigación; guarderías y escuelas). Economía y tráfico (Oficinas y administración; tráfico; industria). Se completa con un acercamiento a los discursos arquitectónicos del momento, la intención artística individual junto a las tendencias internacionales contemporáneas que permiten perfilar la situación de la arquitectura en aquellos años.
 Dos Arquitecturas Alemanas: 1949-1989 es una exposición comparativa sobre los dos estados alemanes y el ancho abanico de posibilidades que ofrecieron aquellos conceptos arquitectónicos a los dos sistemas políticos que dominaron el mundo en esos decenios: democracia y totalitarismo, liberalismo y socialismo. Al mismo tiempo es una investigación sobre el desarrollo del movimiento moderno internacional.
El trabajo que se presenta es el resultado de un largo proceso de investigación en el departamento de arquitectura de la Academia de Bellas Artes de Hamburgo, en el que, al lado de los comisarios Simone Hain y Hartmut Frank, ha participado la coordinadora del proyecto, Katrin Peter, y numerosos estudiantes con sus trabajos y maquetas. La coordinación de la exposición en España está a cargo de Christoph Strieder.
La exposición ha sido organizada por el Instituto para las Relaciones con el Extranjero (Institut für Auslandsbeziehungen), entidad estatal alemana, en cooperación con la Federación de las Colecciones alemanas de Arquitectura y subvencionada por la Fundación Cultural de los Lander.
Fecha Inicio 18/06/2009
Fecha Final 30/08/2009
Lugar de Realización
Centro de Historia
Dirección: Pza. San Agustín, 2, Zaragoza- - Teléfono: 976 205 640
ZARAGOZA, 10 Jun. (EUROPA PRESS)
El Edificio Paraninfo de la Universidad de Zaragoza inaugurará mañana la exposición ‘Pantallas espectrales sobre el Ebro’, una muestra que se podrá visitar hasta el 26 de julio y que recoge el proceso de creación de esta intervención escultórica diseñada porFernando Sinaga para la Expo 2008, que está instalada en la Almozara, entre la Pasarela del Voluntariado y el Pabellón Puente.
‘Pantallas espectrales sobre el Ebro’ es una instalación integrada por tres grandes pórticos rojos de acero que sustentan pantallas de vidrio que funcionan como espejos cromáticos y que ofrecen a los paseantes reflejos fugaces y cambiantes del paisaje que les rodea, informó la Universidad de Zaragoza en un comunicado.
La exposición muestra el proceso de trabajo que determinó el lugar, la posición y la escala de esta intervención escultórica a través de una secuencia de obras como maquetas, modelos estructurales o documentales que muestran cómo operan los dispositivos de la visión que son las ‘Pantallas espectrales sobre el Ebro’.
Reflejos paisajísticos
El Paraninfo inaugura este jueves la exposición “Pantallas espectrales sobre el Ebro”, en la que el escultor Fernando Sinaga recrea el proceso creativo de su intervención artística para la Expo de Zaragoza. Tres grandes pórticos de acero rojo, construidos con vidrio discroico, se erigen en La Almozara para “fijar la fugacidad” del mundo.
 Tres grandes pórticos de acero rojo, construidos con vidrio discroico, entre la Pasarela del Voluntariado de Manterola y el Pabellón Puente de Zaha Hadid, se erigen en La Almozara. Un juego artístico de espejos que actúan como “grandes pinturas de paisajes en movimiento”. Y que, en palabras de la comisaria de la exposición, permite que este paseo sea un “auténtico lujo” y ha hecho que Zaragoza “sea todavía más ciudad”.
Alrededor de 2.000 metros cuadrados de la ribera del Ebro acogen estas pantallas que funcionan como espejos para contemplar el paisaje y “fijar la fugacidad” porque, como ha señalado Tudelilla, “el arte habla de nuestra vida y hoy las certezas no son absolutas”. (+)
Bajo el título de Las horas y los días, Anabel Lorca reune 78 piezas recientes, creadas en 2009.
Anabel presenta la obra, en series, tratadas técnicamente de forma distinta, como tan distintos son los días y las horas a que hace referencia en su título: óleo, acrílico, barnices, ceras, acuarela.
Estas piezas nos hablan del tiempo, del tiempo que pasa inevitablemente dejando huellas, provocando cambios, y de la forma en que fijamos los recuerdos, las imágenes en la memoria, tamizadas por las emociones y nuestra propia experiencia vital.
El paso del tiempo que nos transforma, testigo callado del cambio que experimentamos, que nos condiciona con cada situación nueva, que nos marca, nos influye. Igual que a la naturaleza, al mar, le influye la luz transformando el paisaje.
La contemplación del paisaje de las horas y los días como metáfora de la necesidad de mirar más allá, de abstraerse de lo superfluo y cotidiano, de la búsqueda del equilibrio, de la belleza de las cosas sencillas, de lo simple, de la grandeza de las cosas pequeñas, de la importancia de los detalles.
Habla de la necesidad de extraer lo mejor de cada experiencia, de los sentimientos puros, de la esencia de la pintura como medio, de la pintura como oficio, del papel social del artista como cronista de su época y como transmisor de un mensaje.
En esta exposición, que transcurre a lo largo de 75 días en los que ha trabajado en ella, Anabel ha realizado la crónica de esas horas y esos días, en una lucha unas veces horizontal, buscando el equilibrio del horizonte y la serenidad del mar y otras vertical, buscando un punto de apoyo clavado en la tierra.
Las piezas de esta exposición contienen las huellas que en la artista han dejado los acontecimientos, sensaciones y las personas que la han acompañado de una u otra forma en el transcurso de estos 75 días.
Es, en definitiva, una historia personal en clave de paisaje, que destila rasgos muy personales, también, de la propia artista: su energía, su vitalidad, su optimismo, la dualidad del exceso y la contención.
Presenta desde piezas serenas y equilibradas que nos trasladan a imágenes del mar, horizontes, hasta piezas en las que prima la fuerza, unas veces del color y otras de la composición, o ambas.
Ha contado con la colaboración de la poetisa Izaskun Gracia. Este es el poema que hace de introducción a la exposición:
“En ocasiones sólo cabe esperar el pasar de las horas
su conversión en segundos
y la consecuente llegada a otro instante
a otro presente que irremediablemente
cambie lo que creemos que somos”
 acrilico sobre lienzo ( 50x50 cm.)
 Nietzsche estaba tan sano que se volvió loco — Charles Fourier estaba tan loco que alcanzó una suerte de perfecta sanidad.
Nietzsche exaltó lo sobrehumano como individual (”aristocratismo radical”) — su sociedad de espíritus libres consistiría de hecho de una “unión de individuos dueños de sí mismos”. Fourier exaltó las Series Pasionales — para él, el individuo no existía plenamente excepto en la Asociación Armónica. Siendo opuestos polares estas visiones — ¿cómo es entonces que las veo como complementarias, mutuamente iluminadoras y ambas enteramente factibles?
Una respuesta sería “la dialéctica”. Aún más precisamente — “la dialéctica taoísta”, no tanto un vals como una vibración excesiva — sutil, culebrienta y fractal. Otra respuesta sería “surrealismo” — como una bicicleta hecha de corazones y rayos. La “Ideología” NO es una respuesta — ese “jamboree” zombie, ese triunfalismo de espectros en desfile. La “Teoría” no puede ser identificada con la ideología, ni siquiera con la ideología-en-proceso, porque la teoría se ha puesto a sí misma a un lado de todas las categorías — porque la teoría es nada si no es situacion(al)ista — porque la teoría no ha abandonado el deseo a la “Historia”.
Entonces la teoría se va a la deriva como uno de los nómades de Ibn Khaldun, mientras la ideología se mantiene rígida y se queda puesta a construir ciudades e imperativos morales; la teoría puede ser violenta, pero la ideología es cruel. “La Civilización” no puede existir sin ideología (el calendario es probablemente la primera ideología) porque la civilización emerge de la concretización de categorías abstractas más que de impulsos “naturales” u “orgánicos”. Así paradójicamente la ideología no tiene otro objeto que sí misma. La ideología justifica todos y cualquier arrepentimiento-de-sangre o canibalismo — sacrifica lo orgánico precisamente para alcanzar lo inorgánico — la “meta” de la Historia — que, de hecho, llega a ser… ideología. La teoría, en contraste, se rehúsa a abandonar el deseo y por tanto alcanza la objetividad genuina, un movimiento fuera de sí misma, que es orgánico y “material” y cognitivamente opuesto a la alienación y el falso altruismo de la civilización. (En esto, Fourier y Nietzsche habrían estado de acuerdo.)
Finalmente, sin embargo, quisiera proponer lo que llamo la teoría palimpséstica de la teoría.
Un palimpsesto es un manuscrito que ha sido re-usado escribiendo sobre la escritura original, usualmente en sus ángulos correctos, y algunas veces más de una vez. Frecuentemente es imposible saber cual capa fue inscrita primero; y en cualquier caso cualquier “desarrollo” (excepto ortográficamente) entre una capa y otro sería accidente puro. Las conexiones entre capas no son secuenciales en tiempo, sino yuxtaposicionales en espacio. Las letras de la capa B podrían cubrir completamente las de la capa B, o viceversa, o podrían dejar áreas en blanco, sin marcas algunas, pero uno no podría decir que la capa A se “desarrolló” hacia la capa B (no estamos ni siquiera seguros de cuál vino primero). Aún así las yuxtaposiciones podrían no ser puramente “aleatorias” o “insignificantes”. Una posible conexión podría estar en el reino de la bibliomancia surrealista, o en las “sincronicidades” (y como los antiguos Cabalistas dijeron, los espacios en blanco entre las letras podrían “significar” más que las letras mismas). Incluso el “desarrollo” puede proveer un posible modelo de lectura — la diácronicidades pueden ser hipotetizadas, una “historia” puede ser compuesta para el manuscrito, las capaz pueden ser datadas como en las excavaciones arqueológicas. Mientras no alabemos al “desarrollo” todavía podemos usarlo como una posible estructura para nuestro ejercicio de teorización.
La diferencia entre un manuscrito palimpsesto y una teoría-palimpsesto es que ésta se mantiene inconstante. Puede ser re-escrita — re-inscrita — con cada capa agregada. Y todas las capas son transparentes, translúcidas, excepto donde racimos de inscripción bloquean la luz cabalística — (algo así como una pila de sustancias animantes). Todas las capas están “presentes” en la superficie del palimpsesto — pero su desarrollo (incluyendo el desarrollo dialéctico) se ha hecho “invisible” y quizás “insignificante”.
(…) Seguir leyendo
Otro artículo de Hakim Bey: El Asalto Oculto a las Instituciones.
Fuente: http://caosmosis.acracia.net
Qué bueno poder participar en la web.
Tomemos un café en la web, o una cervecita como las de otros años después de 10 horas de trabajo y creación
Alejandro
 El próximo 11 de junio en el Centro de Historia de Zaragoza tendrá lugar la inauguración de la exposición “Tiempo de Temple” con la que la compañía Teatro del Temple, fundada por Carlos Martín, Alfonso Plou y María López Insausti, celebra sus quince años de trayectoria.
Teatro del Temple nace en 1994 con el espectáculo “Rey Sancho”. Desde entonces ha ido tejiendo más de una veintena de espectáculos que han consolidado un equipo humano y un sello artístico contrastado en toda la geografía nacional. Sus funciones teatrales están unidas por la calidad escénica, la dramaturgia contemporánea (sin olvidar los clásicos) y el rigor cultural.
Con la tetralogía sobre figuras artísticas o el reciente “Luces de bohemoa” so sólo han conseguido importantes premios, como el Max al Mejor Espectáculo Revelación y tres nominaciones más, sino también hacerse un hueco en la cartelera madrileña, llevando a importantes teatros una decena de sus espectáculos.
El objetivo de esta exposición es recoger las diferentes facetas de esta actividad cultural llevada a cado a lo largo de 15 años por el Teatro del Temple
 Anabel Lorca, delante de una de sus pinturas, frente a una de sus reflexiones hechas arte. Jonay Rodríguez “El paisaje es todo lo que está fuera del cuerpo”, matiza Anabel Lorca quien reconoce que le interesa el paisaje “como pretexto, como fórmula para establecer vínculos con el espectador”. “Mi trabajo se basa en la idea de Klee de que las cosas son algo más de lo que revela su aspecto externo”, continúa esta tinerfeña de adopción que puede presumir de ser la única canaria que hasta la fecha se ha hecho merecedora de una de las becas Openart y que ya ha colgado sus trabajos en centros como la Fundación Miró de Barcelona.
Las horas y los días -proyecto que construyó durante 75 días seguidos en la tranquilidad de su hogar que mira al mar- es “en definitiva, una historia personal en clave de paisaje que destila rasgos muy personales” de Anabel Lorca. Serenidad, piezas equilibradas que sin ser figurativas nos remiten al mar, a su océano multicolor. (…)
Leer artículo completo.
http://www.laopinion.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2009060600_8_224168
 El artista colaborador del grupo Artix, Fernando Clemente y la Fundación DEARTE presentan este sábado día 6 de junio en el Palacio Ducal de Medinaceli (Soria) dos instalaciones artísticas.
El autor nos explica del siguiente modo el significado y pretensión de sus obras:
Mi obra se encuadra en un mundo personal complejo desarrollado de forma conceptual, en mi trabajo se intuye cierto compromiso social e inconformismo que se interpreta a través de instalaciones cargadas de ironía y sarcasmo, donde combino, formas tridimensionales de desarrollo poco convencional en esculturas y cuadros, con la superposición de proyecciones de video.
Técnicamente se basa en un tipo de videoinstalación creada a partir de la escultura y del objeto encontrado, componiendo una escena que le infiere un carácter inherente y teatral; de tal manera crea un microcosmos ficticio y momentáneo, como lo es la humanidad en sí misma. Con el apoyo de elementos audiovisuales logro potenciar la apariencia y la irrealidad delhecho.
Teóricamente se asienta en la crítica de la condición humana; no pretendo cambiar el mundo, aunque deseándolo, supongo que no a todos les gustaría un universo a mi imagen y semejanza (puede que ni a mi mismo). Incorporo el Humorismo como vía de escape y de autocura, solamente las cosas serias pueden tomarse en serio; no soy un Trágico, ni creo, humildemente, que pueda llegar a serlo. Espero provocar en la gente cualquier estímulo que les active el cerebro, me conformaría con excitar sus sentimientos.
 Delfín Rodríguez
Catedrático de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid
Nacido en Puertollano (Ciudad Real), en 1959.
Catedrático de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, ejerce también como crítico de Arte en diferentes publicaciones periódicas, especialmente en el suplemento ABC de las artes y las letras. Ha sido vocal del Real Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía entre 1994 y 1997.
En la actualidad es miembro de la Junta Directiva del CBA. También ha sido profesor en diferentes universidades españolas y extranjeras, así como director de algunas colecciones de libros de arte y arquitectura y miembro de los Consejos de Redacción de diferentes revistas especializadas y director de Los Cuadernos del IVAM. Buena parte de su investigación y publicaciones se refieren a la Historia y Teoría de la Arquitectura desde el Renacimiento a la actualidad y al arte contemporáneo. Entre sus libros pueden mencionarse, entre otros, El siglo XX. Entre la muerte del arte y el arte moderno (1982), La Arquitectura del siglo XX (1993), ¿Qué es la escultura moderna? Del objeto a la arquitectura (2003) o L’Ambasciata d’Italia in Spagna (2005).
 Jean Louis Maubant
Director del Institut d´Art Contemporain, IAC
Nacido en Le Havre en 1943.
Sociólogo. En 1978 funda el Nouveau Musée. Se trata de intentar dar vida a una estructura independiente dedicada al arte vivo, centrada en la creación y en la relación entre los creadores y el público.
Su instalación en 1982 en una antigua escuela de Villeurbanne marca el principio de su reconocimiento como centro de arte.
En 1998 el Nouveau Musée y el Frac Rhône-Alpes se fusionan para convertirse en Institut d’Art Contemporain (IAC). Este instituto es un antecedente de lo que podrían ser las estructuras francesas de nueva generación vinculadas al arte contemporáneo a nivel europeo.
Al margen de su trabajo como Director del Institut, Jean Louis Maubant sigue impartiendo clases esporádicamente (Escuela de Bellas Artes de Montpellier, Ideth), dando conferencias sobre temas variados y realizando publicaciones
Ha sido igualmente comisario de numerosas exposiciones internacionales monográficas y colectivas
|
|
Comentarios recientes