30 becas de Arte El 20 de junio se acabó el plazo de inscripción de OpenArt Zaragoza 2009.
Aquí puedes ver la lista de seleccionados.
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 El próximo 11 de junio en el Centro de Historia de Zaragoza tendrá lugar la inauguración de la exposición “Tiempo de Temple” con la que la compañía Teatro del Temple, fundada por Carlos Martín, Alfonso Plou y María López Insausti, celebra sus quince años de trayectoria.
Teatro del Temple nace en 1994 con el espectáculo “Rey Sancho”. Desde entonces ha ido tejiendo más de una veintena de espectáculos que han consolidado un equipo humano y un sello artístico contrastado en toda la geografía nacional. Sus funciones teatrales están unidas por la calidad escénica, la dramaturgia contemporánea (sin olvidar los clásicos) y el rigor cultural.
Con la tetralogía sobre figuras artísticas o el reciente “Luces de bohemoa” so sólo han conseguido importantes premios, como el Max al Mejor Espectáculo Revelación y tres nominaciones más, sino también hacerse un hueco en la cartelera madrileña, llevando a importantes teatros una decena de sus espectáculos.
El objetivo de esta exposición es recoger las diferentes facetas de esta actividad cultural llevada a cado a lo largo de 15 años por el Teatro del Temple
 Anabel Lorca, delante de una de sus pinturas, frente a una de sus reflexiones hechas arte. Jonay Rodríguez “El paisaje es todo lo que está fuera del cuerpo”, matiza Anabel Lorca quien reconoce que le interesa el paisaje “como pretexto, como fórmula para establecer vínculos con el espectador”. “Mi trabajo se basa en la idea de Klee de que las cosas son algo más de lo que revela su aspecto externo”, continúa esta tinerfeña de adopción que puede presumir de ser la única canaria que hasta la fecha se ha hecho merecedora de una de las becas Openart y que ya ha colgado sus trabajos en centros como la Fundación Miró de Barcelona.
Las horas y los días -proyecto que construyó durante 75 días seguidos en la tranquilidad de su hogar que mira al mar- es “en definitiva, una historia personal en clave de paisaje que destila rasgos muy personales” de Anabel Lorca. Serenidad, piezas equilibradas que sin ser figurativas nos remiten al mar, a su océano multicolor. (…)
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http://www.laopinion.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2009060600_8_224168
 El artista colaborador del grupo Artix, Fernando Clemente y la Fundación DEARTE presentan este sábado día 6 de junio en el Palacio Ducal de Medinaceli (Soria) dos instalaciones artísticas.
El autor nos explica del siguiente modo el significado y pretensión de sus obras:
Mi obra se encuadra en un mundo personal complejo desarrollado de forma conceptual, en mi trabajo se intuye cierto compromiso social e inconformismo que se interpreta a través de instalaciones cargadas de ironía y sarcasmo, donde combino, formas tridimensionales de desarrollo poco convencional en esculturas y cuadros, con la superposición de proyecciones de video.
Técnicamente se basa en un tipo de videoinstalación creada a partir de la escultura y del objeto encontrado, componiendo una escena que le infiere un carácter inherente y teatral; de tal manera crea un microcosmos ficticio y momentáneo, como lo es la humanidad en sí misma. Con el apoyo de elementos audiovisuales logro potenciar la apariencia y la irrealidad delhecho.
Teóricamente se asienta en la crítica de la condición humana; no pretendo cambiar el mundo, aunque deseándolo, supongo que no a todos les gustaría un universo a mi imagen y semejanza (puede que ni a mi mismo). Incorporo el Humorismo como vía de escape y de autocura, solamente las cosas serias pueden tomarse en serio; no soy un Trágico, ni creo, humildemente, que pueda llegar a serlo. Espero provocar en la gente cualquier estímulo que les active el cerebro, me conformaría con excitar sus sentimientos.
 Delfín Rodríguez
Catedrático de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid
Nacido en Puertollano (Ciudad Real), en 1959.
Catedrático de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, ejerce también como crítico de Arte en diferentes publicaciones periódicas, especialmente en el suplemento ABC de las artes y las letras. Ha sido vocal del Real Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía entre 1994 y 1997.
En la actualidad es miembro de la Junta Directiva del CBA. También ha sido profesor en diferentes universidades españolas y extranjeras, así como director de algunas colecciones de libros de arte y arquitectura y miembro de los Consejos de Redacción de diferentes revistas especializadas y director de Los Cuadernos del IVAM. Buena parte de su investigación y publicaciones se refieren a la Historia y Teoría de la Arquitectura desde el Renacimiento a la actualidad y al arte contemporáneo. Entre sus libros pueden mencionarse, entre otros, El siglo XX. Entre la muerte del arte y el arte moderno (1982), La Arquitectura del siglo XX (1993), ¿Qué es la escultura moderna? Del objeto a la arquitectura (2003) o L’Ambasciata d’Italia in Spagna (2005).
 Jean Louis Maubant
Director del Institut d´Art Contemporain, IAC
Nacido en Le Havre en 1943.
Sociólogo. En 1978 funda el Nouveau Musée. Se trata de intentar dar vida a una estructura independiente dedicada al arte vivo, centrada en la creación y en la relación entre los creadores y el público.
Su instalación en 1982 en una antigua escuela de Villeurbanne marca el principio de su reconocimiento como centro de arte.
En 1998 el Nouveau Musée y el Frac Rhône-Alpes se fusionan para convertirse en Institut d’Art Contemporain (IAC). Este instituto es un antecedente de lo que podrían ser las estructuras francesas de nueva generación vinculadas al arte contemporáneo a nivel europeo.
Al margen de su trabajo como Director del Institut, Jean Louis Maubant sigue impartiendo clases esporádicamente (Escuela de Bellas Artes de Montpellier, Ideth), dando conferencias sobre temas variados y realizando publicaciones
Ha sido igualmente comisario de numerosas exposiciones internacionales monográficas y colectivas
Francisco Jarauta dirigirá el Seminario: “EL DEBATE ACTUAL SOBRE LAS INSTITUCIONES DEL ARTE” donde analizaremos la situación de desamparo en la que se encuentran los creadores locales debido a la excesiva influencia ejercida desde las instituciones públicas y privadas y su apuesta por productos generados desde estructuras nacionales y supranacionales. El seminario se celebra los días 14, 15 y 16 de julio en el auditorio del Centro de Historia de Zaragoza, dentro de las actividades programadas por la tercera edición de OpenArt 2009.
Le acompañaran en este análisis Jean Louis Maubant Director del Institut d´Art Contemporain, IAC y Delfín Rodriguez Catedrático de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid
 -La crisis de lo local. Defensa de las identidades ante el “package art”
-La cultura como nueva economía.
-Artistas autónomos y artistas a sueldo.
Francisco Jarauta es Catedrático de Filosofía de la Universidad de Murcia. Formado en Valencia, Roma, Münster, Berlín y París.
Está especializado en Ética, y postmodernismo.
Autor y editor de ensayos filosóficos y sociales, dirige la colección Arquitectura y es especialista en Arte, por lo que ha sido curator de numerosas exposiciones internacionales.
Reside gran parte del año en Alemania impartiendo cursos de doctorado. Es un viajero infatigable, generoso y catalizador de despertares en la conciencia intelectual contemporánea. Muy comprometido con las realidades sociales de los mas olvidados, en sus continuos toques de atención a un sistema insostenible en el cual nos reta a ser actores en lugar de espectadores.
Es Vicepresidente del Patronato del Museo Reina Sofía de Madrid y miembro del College International de Philosophie de París. Así como Advisor del Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas) y profesor invitado de varias Universidades europeas y americanas.
Con el título “Crítica y Crisis“, Miguel Cereceda impartirá una conferencia el día 21 de julio a las 19:30 en el auditorio del Centro de Historia de Zaragoza, dentro de las actividades programadas por la tercera edición de OpenArt 2009.
 Cuando Yves Klein empezó a vender sus “zonas de sensibilidad pictórica inmaterial” y cuando Manzoni empezó a comercializar sus latas de “mierda de artista”, no sólo estaban desarrollando nuevas experiencias dadaístas o nuevas formas del ready-made, sino también elaborando una corrosiva crítica del sistema mercantil de distribución de las obras de arte y de la fetichización mercantil del objeto artístico. Por eso se entienden muy mal las críticas desarrolladas por críticos tardomarxistas, como Benjamin Buchloh, contra Yves Klein, apelando a su pasado fascista o a su coqueteo con misticismos espiritualistas de tendencia budista. Pues es seguro que la “crítica del arte” desarrollada por Yves Klein surtió más efecto que las pataletas y lsa descalificaciones de Buchloh. ¿Puede el arte crítico hacer algo para salir de la crisis?
Miguel Cereceda (Santander, 1958) es Profesor titular de Estética y Teoría de las Artes en el Departamento de Filosofía de la Universidad Autónoma de Madrid. Ha sido Catedrático de Filosofía de Bachillerato y profesor de Sociología del Arte en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca de la Universidad de Castilla-La Mancha. Actualmente es miembro de la Junta Directiva del Círculo de Bellas Artes de Madrid, crítico de arte en el diario ABC de Madrid y Profesor Invitado en el Departamento de Arte y Nuevos Medios de la Universidad de Potsdam (Alemania). Ha comisariado numerosas exposiciones, entre las que cabe destacar Hacia un nuevo clasicismo. Veinte años de pintura española, con obras de los escultores españoles más importantes de los años ochenta, y Desesculturas, con obras de una selección de escultores españoles de los años noventa.
Ha publicado los siguientes libros:
El lenguaje y el deseo, Julio Ollero Ed., Madrid, 1992
Kant: el uso teórico y el uso práctico de la razón, Ed. Mare Nostrum, Madrid, 1992
El origen de la mujer sujeto, Tecnos, Col. Metrópolis, Madrid, 1996.
Hacia un nuevo clasicismo. Veinte años de escultura española, Valencia, 1999
Desesculturas, Fundación Eduardo Capa, Alicante, 2002
El Barco del Arte, Ministerio de Cultura, Madrid- Bilbao, 2005
Problemas del arte contemporáne@, Cendeac, Murcia, 2006
Enlaces en la Red:
Entrevista a Miguel Cereceda
Teoría crítica – Miguel Cereceda
La costurera crítica – Miguel Cereceda
Basquiat, el golpe definitivo – Por Miguel Cereceda.
 ¿Y porqué un psiquiatra en los talleres OpenArt 2009? Jorge Luis Tizón aportará una visión diferente sobre la creatividad, sus mecanismos, las chispas que la hacen brotar. También profundizará en la relación de la crisis y el Yo. Nadie puede apuntar la puerta, pero si señalar los caminos de búsquedad de la personalidad creadora.
Jorge Luís Tizón impartirá la Conferencia “Creatividad: Entre el genio, los duelos, la reparación y la psicosis” el día 20 de julio a las 19:30 en el auditorio del Centro de Historia de Zaragoza, dentro de las actividades programadas por la tercera edición de OpenArt 2009.
Jorge Luis TIZÓN GARCÍA
Doctor en Medicina, psiquiatra, psicoanalista, psicólogo y neurólogo. Entre 1982 y 2005 fue el director de las Unidades de Salud Mental de Sant Martí y La Mina (Barcelona). Desde el 2005 dirige el Equipo de Prevención en Salud Mental y Atención Precoz a los Pacientes en riesgo de Psicosis (EAPPP) del Institut Catalá de la Salut de Barcelona. Como docente, actualmente es profesor de la Universidad Ramón Llul (Barcelona) y de diversas universidades e institutos de formación, tanto españoles como extranjeros.
Libros publicados recientemente: “Protocolos y programas elementales para la atención primaria a la salud mental”, “El humor en la relación asistencial”, “Psicoanálisis, procesos de duelo y psicosis”, “Días de duelo: Encontrando salidas” y el tratado “Pérdida, pena, duelo: Vivencias, investigación y asistencia”.
Fernando Sinaga propone una dinámica que tratará de simultanear el discurso teórico como práctica indispensable de taller.
El taller y el estudio del artista como laboratorios del imaginario y paradigmas espaciales desde donde reinventamos el lugar. Un relato que versa en el fondo sobre la leyenda del artista como mitopoética de la visión.
 Fernando Sinaga es, sin ningún género de dudas, uno de los escultores españoles más prestigiosos, con importantes muestras en galerías nacionales e internacionales, habiendo realizado proyectos expositivos referenciales como Agua amarga (Fundació Pilar i Joan Miró, Palma de Mallorca, 1996), Doble inverso (Palacio de los Condes de Gabia, Granada, 1998), Anamnesis (Palacio de Revillagigedo, Gijón, 1999) o Esculturas 1991-1999 (Sala Amárica, Vitoria, 1999). Ha representado a España en la Bienal de São Paulo (1989) y en el Pabellón Español de la Exposición Universal de Hannover (2000). En el IVAM, Institut Valencià d’Art Modern, presenta su serie de Polaroids en la que indaga en torno a la sombra, la vanitas, la muerte, el retrato y, en definitiva, el fogonazo que revela lo real. Junto a esas instantáneas fotográficas se disponen algunas esculturas que también integran, junto a lo magmático, la imagen detenida y otra, titulada Contramundum (2002), en la que alude al barroco y a la idea del circuito lúdico. El título de la muestra, La estancia inhóspita, alude tanto a la forma del habitar en relación con lo esencial cuanto a la determinación freudiana de lo familiar-extraño. Si el sujeto es, en la experiencia de lo sublime, un testigo impotente, también puede, desde la dimensión artística, tratar de sacar a la luz algo que es puramente amorfo. Con todo, la obra de arte es, también, lo inhóspito, ese raro lugar en el que nos demoramos. Sinaga sabe que ahí se ha producido un aplazamiento, un apóstrofe ante la muerte que termina por revelar que lo milagroso es siempre lo cotidiano. No se puede evitar lo peor, es necesario acercarse a la vida pero pasando previamente por la destrucción. Las ensoñaciones mortales de Sinaga se dirigen a lo desconocido, a las ideas latentes, pero también al placer. Recordemos que el placer es tan sólo una forma del asombro, un deslumbramiento, un destello fragmentario en un espejo, como el don es la venida de lo nuevo, de lo inanticipable y de lo no-repetible. Lo que se puede transmitir en el intercambio simbólico es siempre algo que es tanto ausencia como presencia, sirve para tener esa especie de alternancia fundamental que hace que, tras aparecer en un punto, desaparezca para reaparecer en otro. El resto es el signo de la ausencia.
Enlaces:
http://es.wikipedia.org/wiki/Fernando_Sinaga
http://www.galeriamariallanos.com/FernandoSimaga/FernandoSinaga.htm
http://www.arte10.com/noticias/monografico-208.html
http://www.educathyssen.org/?id=155
http://www.e-migre.org/autor.php?id=35
Hace ya tres años, en la primavera de 2006, Juan Ugalde decidió dar un giro tanto substancial como instrumental a su trabajo. Abandonó el uso de la fotografía en blanco y negro, ampliada a las dimensiones del lienzo, como soporte imaginario y físico de la pintura –que había caracterizado su obra durante casi una década–, y regresó a una práctica directa e inmediata del hecho de pintar; al tiempo, que variaba su argumentario, para sin necesidad de silenciar las motivaciones sociales y civiles que le caracterizaban –nunca ha confiado en el pintor confinado en el estudio–, ampliar su sintaxis y, desde luego, sus cualidades pictóricas. La profunda y extensa experiencia de Juan Ugalde es lo que podemos compartir con él en el Taller de Pintura de OpenArt Zaragoza 2009.
 Juan Ugalde nace en Bilbao en el año 1958. A mediados de los setenta inició sus estudios de Arquitectura, Filosofía y Bellas Artes. En 1981 obtuvo una beca para Jóvenes Artistas del Ministerio de Cultura, y cinco años después la del Comité Conjunto Hispano-Norteamericano para residir en Nueva York.
En 1978 hizo la primera exposición de trabajos en la sala de exposiciones de la Escuela de Arquitectura de la capital, y desde entonces ha realizado numerosas muestras individuales; entre ellas, en la galería Tomas March -de Valencia-, en Soledad Lorenzo -de Madrid- y en Nathalie Pariente -de París-. Pero fue a mediados de los ochenta cuando se dio a conocer con pinturas dentro del expresionismo. Cuando regresó de Nueva York formó, junto a Patricia Gadea y Dionisio Cañas, el grupo Estrujenbak. Sus fuentes originales de inspiración son comics españoles, jeroglíficos, paisajes kitsch, chistes y dibujos con ordenador, aunque con el tiempo ha evolucionado al retomar imágenes de la pintura, como la maja de Goya.
En los noventa empezó a introducir fotografías (principalmente de tema urbano). En esta década obtuvo estas becas: Beca Fundación Banesto (1994) y Beca Fundación Marcelino Botín, Santander (1996). Según los entendidos, durante la primera etapa de su obra (entre 1978 y 1986), ésta se encuadró dentro del contexto de la llamada “nueva figuración“. Desde mediados de los ochenta hasta 1992 este artista incorporó nuevas ideas a su trabajo, su obra se volvió más conceptual, teniendo como motivo el mundo de lo vulgar, a través de las imágenes encontradas en el medio urbano o en los emblemas de la baja cultura.
Ya a partir de 1992 se establecieron los rasgos más característicos de su obra, al usar la fotografía como base de sus retoques pictóricos y de la superposición de otras imágenes mediante el collage. Pero, desde sus inicios, no aplica en su arte el acabado perfecto o las formas pulcras, sino que busca los aspectos más impuros a través del cruce de técnicas.
En definitiva, Juan Ugalde, que posee una vasta trayectoria como pintor, ha encontrado en la fusión de pintura y fotografía la mejor manera para expresar su mundo. Entre los premios que ha recibido se hallan: Premio de Pintura L?Oreal (1993), Primer premio de pintura Fundación de Fútbol Profesional (1998) y Premio Altadis (2000).
Enlaces:
http://www.elpais.com/todo-sobre/persona/Juan/Ugalde/2744/
http://www.soledadlorenzo.com/artistas/ugalde/index_esp.html
José Ramón Alcalá será el responsable en esta edición, del Taller de Creación Artística y Nuevos Medios. Alcalá elabora sistemas metodológicos a medida, no sólo para llevar a buen puerto dichas propuestas, sino para ofrecer asimismo un amplio campo de información especializada y razonada encaminada a la consecución de una sólida cultura contemporánea que les permita a cada uno de los artistas participantes en este taller la generación de estructuras autocríticas capaces de configurar programas creativos autosuficientes
 José Ramón Alcalá es un artista multidisciplinar que, desde 1980, trabaja en la línea de investigación creativa del Arte y los Nuevos Medios. Catedrático de Procedimientos Gráficos de Expresión y Tecnologías de la Imagen de la Universidad de Castilla-La Mancha, es el director del Museo Internacional de Electrografía (MIDE) de Cuenca, desde su creación, en 1989. Investigador Principal del Grupo “Interfaces Culturales; Arte y Nuevos Medios” de la UCLM desde 2006, lo ha sido también del Grupo de “Gráfica Digital” de la UCLM entre 2001 y 2005. En los últimos años ha liderado numerosos proyectos I+D+i, regionales, nacionales y europeos sobre aplicaciones de las nuevas tecnologías en la creación artística, el New Media Art y la Museografía Virtual.
Premio Nacional de la Real Calcografía Nacional (al MIDE) “por las innovaciones aportadas al arte gráfico” en 1999.
.Ha sido profesor e investigador residente en prestigiosos centros y universidades de todo el mundo, como el Art Lab de Tokyo (1991-92), la University of Idaho, o la Washington State University (USA) (2007).
Miembro de prestigiosos Foros de Expertos nacionales e internacionales para el Consejo de Europa, la UNESCO, la International Telecom Unit, o la FECYT (MEC).
Miembro de Comités Científicos como la ArtOs Cultural and Rescarch Foundation of Nicosia. (Chipre), el Festival Internacional de Artes Electrónicas Ciberart, la Revista de Cultura Digital Binaria, la Consejería de Industria y Desarrollo Tecnológico de Cantabria, o las empresas culturales TAU Digital o Forja Arte.
Vocal de la Comisión Nacional de Evaluación de la Actividad Investigadora (CNEAI). Área de Historia y Expresión Artística (MEC) desde 2007.
Autor de varios libros y numerosos artículos relacionados con el Arte y las Nuevas Tecnologías.
Comisario de prestigiosos eventos artísticos, bienales y exposiciones nacionales e internacionales. Es en la actualidad el Director del Observatorio Internacional Permanente de Artes Electrónicas de Gijón (OOH). [ http://www.jornadasooh.net ], y co-organizador del festival de Artes Electrónicas de Valencia Digital Media 1.0 [ http://www.digitalmediavalencia.es ].
Como artista, creó el equipo Alcalacanales (junto a F. Ñ. Canales), en 1983, cuyas exposiciones y actividades se prolongaron dentro del circuito internacional hasta 1993, recogidas en publicaciones de prestigio como SUMMA ARTIS (T. XLVII), Enciclopedia Universal del Arte (Espasa Calpe), Diccionario de la Fotografía (Espasa), ArteVisión: Hª del Arte Electrónico en España (MECAD), Diseño Gráfico Español (ICEX), o Leonardo (MIT, USA); así como en la monografía: MIRA, Enric: Alcalacanales; El lenguaje artístico de la imagen electrográfica. Alfons El Magnànim. Itinerarios #7. Diputació de València. Valencia. 2000.
Enlaces:
http://www.mide.uclm.es
http://www.myspace.com/mideciant
http://www.mysapce.com/joseramonalcala
Con el título de “El escenario urbano” Carlos Cánovas profundizará con los participantes sobre la ciudad como el verdadero cosmos del fotógrafo del siglo XXI. La ciudad como escenario y vosotros como actores, para aprender a encontrar otras miradas.
 Carlos Cánovas nació en Hellín (Albacete) en 1951. Desde ese mismo año reside en Pamplona. Su interés por la fotografía se inicia en 1973. En 1981 publica, junto con otros tres autores, el libro Fotografías. Es también autor de las publicaciones Apuntes para una historia de la fotografía en Navarra (Institución Príncipe de Viana, Pamplona, 1989), Miguel Goicoechea, un pictorialista marginal (Ed. Ikeder, S.L., Bilbao, 1994), Deriva de la ría: paisaje sin retorno (Bilbao Bizkaia Kutxa, Bilbao, 1994), Paisajes fugaces (IVAM, Valencia, 1997), Nicolás Ardanaz, fotografías (Museo de Navarra, Pamplona, 2000), Retornos – Itzulerak (Fundación BBK, Bilbao, 2000) y Paisaje Anónimo (Ayuntamiento de Pamplona, 2002). Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en España y en otros países europeos y americanos. Ha impartido cursos sobre teoría, técnica e historia de la fotografía y publicado imágenes, artículos y textos en libros, revistas especializadas y diferentes medios de comunicación. Es profesor de fotografía contratado por la Universidad Pública de Navarra desde 2000. Hay obra en la Biblioteca Nacional (París), Galería Forum (Tarragona), Galería Spectrum (Zaragoza), Museo de Arte e Historia (Durango), Museo de Navarra (Pamplona), Fundación Caixa de Pensiones (Granollers), Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Ifema-Arte Contemporáneo (Madrid), Fundación Telefónica (Madrid), IVAM – Instituto Valenciano de Arte Moderno (Valencia), Museo de Bellas Artes (Bilbao), Photomuseum (Zarautz), Colección Pública del Ayuntamiento de Alcobendas (Madrid), Ayuntamiento de Guardamar (Alicante), Universidad de Salamanca, Museo de la Universidad de Alicante, Instituto Cervantes (Roma), Colección Comunidad de Madrid, Centro de Fotografía Isla de Tenerife, Fundción IPEC (Valencia), Fundació Foto Colectania (Barcelona), Ayuntamiento de Pamplona, Palacio de la Aljafería (Zaragoza), Ongarri A.C. (Elgóibar), Galería Moisés Pérez de Albéniz (Pamplona), Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa (A Coruña), y en diversas colecciones privadas.
Enlaces:
http://cvc.cervantes.es/artes/fotografia/esp_roma/canovas/
Próxima exposición de Espacio en Blanco (Universidad San Jorge) “ÍNTIMO PÚBLICO”, de la artista y diseñadora argentina Tania Abrile. El acto tendrá lugar el martes 14 de abril, a las 20 h. en la Facultad de Comunicación de dicha universidad y contará con la presencia de la autora.
Con una sólida trayectoria en Argentina y tras su paso por Madrid y Barcelona, ésta es su primera exposición individual en Aragón. Tania Abrile retiene fragmentos pictóricos de la realidad urbana que se escapan a la retención de la mirada y de la conciencia a consecuencia del rápido flujo de los acontecimientos que vive el ciudadano. Resulta complejo mostrar momentos que se pierden en el momento mismo de su activación, como se pierde el recuerdo momentáneo de transitar un pasillo que comunica dos estaciones de metro. Y es aquí donde la autora fija su mirada y su pincel.
Un lugar: el metro. Espacio público que por momentos alcanza el delicado grado de íntimo. Aunque no seamos conscientes de ello, un vagón cualquiera se convierte en hogar donde los padres educan a sus hijos, recámara prenupcial de algunos enamorados, dormitorio de un albañil, un confesionario de lo inconfesable.
Desde la experiencia como habitante de capitales como Madrid o Buenos Aires, Abrile fija en sus obras el lugar y el momento de la rutina diaria donde cada persona pierde su identidad e individualidad, para reconocerse en el lugar del otro, aunque sea por un instante efímero.
Anabel nos presenta su página web, donde recopila su trayectoria y sus últimas creaciones.
También contiene textos sobre su obra, del que entresaco este que explican su trabajo.
Me interesa el paisaje como pretexto, como fórmula para establecer vínculos con el espectador.
Mi trabajo se basa en la idea de Klee de que las cosas son algo más de lo que revela su aspecto externo. Las cosas, las personas, los actos.
La curiosidad o la falta de ella determinan el grado de conocimiento que queremos obtener de las cosas, de las personas, de los hechos.
Subjetivamos la realidad según nuestros conocimientos, sugestiones, recuerdos. Nos aproximamos al paisaje aportando a la experiencia estética connotaciones intimas, personales, que lo hacen único y distinto para cada individuo.
Ninguna conclusión es, para mi, definitiva, ni en la pintura, ni en la vida. Crecemos y evolucionamos con experiencias vitales que nos hacen aproximarnos a las cosas, las personas, los hechos, de una forma nueva.
El cambio individual que experimentamos influye en nuestra percepción y apreciación: nos gusta lo que no nos gustaba, detestamos lo que adorábamos, comprendemos lo que no entendíamos, aceptamos lo que no tolerábamos………
El ejercicio de aproximación al paisaje que realizo parte de un análisis restrictivo que me conduce a desbrozar y eliminar casi todo lo que ya por sí mismo puede ser deducido.
Se trata de un trabajo específicamente cromático que busca un acercamiento al espectador, su reacción, la interacción con la obra.
El paisaje es uno de los temas más abiertos. Cada uno se aproxima a el a su manera, impregnándolo de sus propias vivencias, colores y espacios de la memoria que trasladan a paisajes internos.
 El Proyecto ZARAGOZA REBELDE ya se ha materializado. Una de las formas que ha adoptado es laEXPOSICIÓN que se inaugura el jueves, 26 de marzo, a las 20,00 h. en el CENTRO DE HISTORIA. Quienes conocéis el proyecto seguro que estáis impacientes por visitar la exposición. Quienes no lo conocéis, seguro que disfrutáis paseando por la Ciudad, los Movimientos Sociales, el Laberinto y la Memoria.
Por si alguien necesita un empujoncillo, ahí va la lista de artistas o algo así que participan: Pipa Álvarez, Jose Luis Allué, Andrés Anguita, Pedro Bericat, Javier Burguete, Clemente Calvo, Juanan del Campo, José Luis Cano, Estudio Camaleón, Cayo, Antonio Ceruelo, Mariángeles Cuartero, Rubén Enciso, Javier Estella, Virginia Espá, José Luis Gamboa, Paco García Barcos, Miguel Ángel Gil, Javier Joven, Ángel Lalinde, Rebeca López, Jesús Llaría, Rogelio López Cuenca, Luis Marco, Josema Oliden, Chorche Paniello, Emilio Perdices, Paco Rallo, Miguel Ángel Ramos, Diego Sáinz, Helena Santolaya, Radio Topo, Colectivo Treta (Rebeca Bazán y Eva Hidalgo), Charo de la Varga, Esther de la Varga.
La mirada, primera exposición individual de Daniel Palacios (Córdoba, 1981), formado en ciencias y licenciado en Bellas Artes, convierte el paisaje en una excusa para analizar el entorno y las relaciones entre los elementos que lo conforman. Actualmente su trabajo se desarrolla aplicando las relaciones del arte, la ciencia y la tecnología al espacio y los sistemas perceptivos.
El contacto con la realidad y con los lenguajes plásticos es un aspecto destacado en su obra, que busca crear situaciones y no simulaciones, utilizando la “realidad” en sus instalaciones con el fin de originar resultados plásticos y no digitales. La tecnología le permite controlar qué factores intervienen en los espacios, en qué medida y cuál será su efecto. De este modo, el público queda inmerso en la obra y forma parte de ésta, observando su proceso, mientras el artista, a la vez, puede estudiar sus reacciones, único factor que no puede controlar y aspecto vital de su trabajo.
La exposición organiza trabajos en video, fotografía, ilustración e instalaciones, los cuales coinciden en su forma de entender el paisaje como algo que reside en la mirada de quien observa, siendo nuestras experiencias las que nos orientan a ver desde la belleza de los detalles olvidados, a el juego matemático por el que todo se mantiene en orden.
galería rosa.santos
Del 5 de marzo al 30 de abril de 2009
Inauguración: jueves, 5 de marzo a las 20:30 h.
martes a sábado de 17:00 a 21:00
c/bolsería,21_46001 Valencia
Imanol Arias y Pilar Bardem reciben la Medalla al Mérito en las Bellas Artes
La coreógrafa Blanca Li y el artista plástico Nacho Criado también han sido galardonados
Europa Press / Madrid | Actualizado 21.02.2009 – 05:00
 Los actores Imanol Arias y Pilar Bardem serán condecorados con la Medalla de oro al Mérito en las Bellas Artes, según anunció ayer el Gobierno, que también ha concedido este galardón a la coreógrafa granadina Blanca Li y al artista plástico jiennsense Nacho Criado. El torero Fran Rivera, la diseñadora Ágatha Ruiz de la Prada o el restaurador Juan María Arzak también aparecen en esta lista. La actriz Pilar Bardem nació en Sevilla en 1939 y es miembro de una de las sagas de cómicos más célebres del país. A lo largo de su carrera profesional ha participado en casi un centenar de películas, como Carne Trémula, Cachito o Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto, con la que ganó el Goya a la Mejor Interpretación femenina de reparto. En 2004 recibió la Espiga de Plata a la Mejor Actriz del Festival Internacional de Cine de Valladolid.
Por su parte, el leonés Imanol Arias cuenta con una amplia nómina de películas, entre las que destaca El Lute: camina o revienta, por la que ganó la Concha de Plata a Mejor Actor; La colmena, Tiempo de silencio y Divinas palabras. Además ha cosechado varios premios con la serie Cuéntame cómo pasó.
La coreógrafa y bailarina Blanca Li nació en Granada en 1964 y a los 17 años entró en la escuela de danza de Martha Graham de Nueva York, donde estuvo cinco años. A su regreso a España fundó en Madrid su primera compañía. Un año más tarde cambió su residencia a París donde presentó diferentes montajes.
En cuanto a Nacho Criado cabe destacar que es uno de los artistas plásticos más representativos del panorama contemporáneo español en los últimos 40 años. Su formación en arquitectura y en sociología le han permitido abarcar el arte desde una perspectiva más amplia.
 “YA NO SOMOS NIÑOS”
Una de las diferencias que hay entre la edad adulta y la niñez es la forma que tenemos de pensar, de pequeños no tenemos tantos pensamientos como en la madurez sobre el miedo, la ansiedad, el dinero, la enfermedad, la muerte, el amor, la alegría, simplemente pasa la vida, nos damos cuenta a la edad adulta de que vivimos y lo que ocurre a nuestro alrededor. En esta serie de obras esta la búsqueda de volver a ser niños, a soñar sin tener miedo en que pasará y a jugar sin que nada nos preocupe y también otras obras de todo lo contrario, del miedo a soñar y de no saber jugar porque hasta la vivir nos preocupa.
PROCESO TÉCNICO
Para la creación de mis obras he utilizado material reciclado, varilla y chapas que ya no utilizan en talleres y obras. Esta material lo utilizo como materia prima, lo corto y le doy forma para crear mis esculturas. Todas las obras están soldadas para darle una textura y para el color final utilizo un antioxidante. Para hacer mis obras hay una investigación sobre el movimiento y la anatomía del cuerpo humano.
CIPRI MOLINA “ya no somos niños” escultura-pintura ESPACIO A_ROJO Plaza Colón 34, local 14001 espacioa-rojo.blogspot.com inauguración miércoles 4 febrero 20:30h espacio a_rojo
Comenzamos el año 6 1/2 de VEN Y VINO. Como siempre, será un placer encontraros en El Mono de la Tinta.
YOLANDA PÉREZ HERRERAS
El viernes 30 de ENERO a las 20.40 horas el colectivo YEA! convoca en elmonodelatinta
POESÍA
“2 x 3 ET CHOCOLAT”
YOLANDA PÉREZ HERRERAS
A los bailarines Nieves Correa e Hilario Álvarez,
por haberme permitido compartir el salón de baile de Acción!MAD 08.
 ARTE DE ACCIÓN
CONSUMO CUIDADO
BELÉN CUETO
El arte no puede quedar limitado a un estricto mundo visual pasivo y acrítico, debe realizar intervenciones artísticas que sean vehículos dentro de la realidad (…) recurro a la realidad en la que vivo, y cómo ésta influye en mí y en mi vida (…) que saque al espectador del mero acto de mirar…
“Hay que ser incansables. Nunca habrá demasiado arte ni demasiada poesía. A veces como tormenta que nos empape y nos espabile, y a veces como lluvia fina que nos vaya calando y nos estimule”
es la única guía que contemplamos, porque como dicen unos versos de la poeta Amelia Peco Roncero: “…se me olvidó, que la risa, el amor, y los besos, son asuntos de todos los días, no de días sueltos…”
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